David Byrne afferma che il processo creativo non sia solo l’emersione di un’intima emozione, ma che sia legato ad un adattamento al contesto, ovviamente ciò non significa che la passione non sia presente, ma che come succede in natura, l’adattamento sia inconscio e istintivo. Negli ultimi anni, l’arte contemporanea ha sentito la necessità di affiancarsi e collaborare con la tecnologia: dalle opere di Greenaway che sviluppano opere d’arte classica sfruttando nuovi medium tecnologici, oppure Bjork che sfrutta la tecnologia di iperlocazione e realtà virtuale a 360° per fare il video musicale di Stonemilker nel 2015. Questi e altri artisti sfruttano la tecnologia come supporto alla loro arte, fino al punto che la tecnologia stessa sta diventando e producendo arte.

<<Mi piace pensare che il mondo sia un unico grande meccanismo>> cita la frase manifesto del film Hugo Cabret, di Martin Scorsese del 2011. Storia ambientata nella Parigi degli anni ’30, vede come co-protagonista un umanoide meccanico dal meccanismo secreto, che trova ispirazione nei robot settecenteschi del laboratorio di Jacques de Vaucanson. L’automa si scopre essere stato programmato per disegnare una delle immagini più famose della storia del cinema: la luna con il razzo nell’occhio del film viaggio sulla luna di George Melies.

Non è difficile immaginare i robot come strumenti in grado di disegnare, se programmati meccanicamente, ma la difficoltà nasce nel momento in cui dobbiamo immaginarli a fare arte in autonomia. A che punto siamo con l’arte robotica? A che punto siamo con gli artisti robot? Come l’intelligenza artificiale entra a far parte del sistema arte? Questo genere di arte è in grado di suscitarci le stesse emozioni dell’arte classica? Come è stata sfruttata la realtà virtuale nel mondo dell’arte?

Questo articolo si pone come obiettivo quello di analizzare questi aspetti e rispondere a queste domande, al fine che la robotica e l’intelligenza artificiale possano farci un po’ meno paura.

I ROBOT E L’INTELLIGENZA ARTIFICIALE

L’idea diffusa di robot è quella di un lavoratore artificiale, con una propria fonte energetica, quindi parzialmente autonomo, che lavora per noi. Pensando al quotidiano affibbiamo il termine robot ad oggetti molto diversi fra loro: le casse automatiche, il robot da cucina, l’aspirapolvere automatica, ma sono tutti robot o sono solo oggetti automatizzati?

Il problema della classificazione nasce dalla mancanza di una vera e propria definizione di robot. Il termine nasce in ambito fantascientifico nel dramma teatrale R.U.R di K. Capek in qualità di personaggi fittizi protagonisti. Nell’opera i robot sono esseri artificiali costituiti da materiale biologico di origine sintetica. Non possono essere distinti dagli esseri umani a fronte del loro aspetto e possono fare tutto ciò che sanno fare gli uomini. Nascono con l’obiettivo di svolgere i compiti che pesano su noi umani in completa autonomia. Quindi, soprattutto in ambito fantascientifico, i robot nascono per lavorare per noi.

L’autonomia è quindi un elemento fondamentale della loro classificazione, che ci permette di distinguerli da semplici sistemi automatizzati.

Nell’immaginario collettivo i robot sono qualcosa di malvagio e pericoloso, complice la cultura cinematografica e letteraria a cui siamo stati abituati (Blade runner, neuromante...); ad oggi però, ci siamo quasi abituati a collaborare con la tecnologia e ad averla come compagna nel nostro quotidiano, anche negli ambienti che mai ci saremmo aspettati, come ad esempio l’arte.

E’ stato grazie all’intelligenza artificiale che i robot hanno potuto “iniziare a pensare”, ovviamente non si può e non si potrà mai paragonare al pensiero umano, ma si tratta di una simulazione.

I robot nell’arte

La storia dell’arte è caratterizzata da un continuo cambiamento di tecniche, mezzi artistici o fine ultimo. L’arte contemporanea è caratterizzata da un cambiamento radicale, non solo nei temi trattati, ma anche e soprattutto nei mezzi utilizzati. Non si usano più tele e pittura, marmo o carta e carboncino, ma vari materiali anche i più inaspettati come: sangue e budella nel caso di H. Nitsch, animali impagliati nel caso di D. Hirst, il corpo umano nel caso della Body Art o l’ambiente nel caso della Land Art. All’interno di questa rivoluzione in atto, includiamo anche la tecnologia con esperienze di realtà virtuale, installazioni multimediali o robot.

Gyre, Yunchul Kim, Padiglione Corea – Biennale di Venezia 2022

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Gyre, Yunchul Kim, Padiglione Corea – Biennale di Venezia 2022 〰️

Gyre, Yunchul Kim, Biennale Venezia 2022, padiglione Corea — https://www.labiennale.org/it/arte/2022/corea-repubblica-di

Gyre (vortice) è un’opera presentata alla biennale di Venezia del 2022, nel padiglione della Corea, commissionato da Arts Council Korea, in collaborazione con Hyunday Motor Company. L’artista afferma: “Nei circoli infiniti di creazione ed estinzione, il mondo e la sua materia volteggiano e discendono costantemente. Gyre esplora il mondo come un labirinto in cui la sostanza fatta di realtà (mattereality) importa più della materialità, abbracciando oggetti non umani e realtà materiale.”

Il padiglione Corea ha quindi una testa che è la scultura Argos e una spina dorsale che è la scultura Chroma V, una struttura robotica in moto. Il nome Chroma deriva dal fatto che, durante il movimento, le celle assumono diverse colorazioni. Lui, a differenza di altri artisti, non usa pigmenti, bensì principi di ottica e luce. Oltre a ciò, le sue opere sono il risultato di anni di ricerca di nuovi materiali.

Per quanto sembrino naturali, i movimenti di Chroma V sono guidati dall’opera presente nella stanza accanto: Argos The Swollen Sun. Costituita da 246 tubi Geiger-Muller, strumenti in grado di rilevare particelle ionizzate, in particolar modo i Muoni (particelle cariche più leggere degli elettroni), che si creano a seguito della collisione di particelle cosmiche con l’atmosfera terrestre, Argos li rileva e fa muovere Chroma V e l’altra installazione: Impulse.

Impulse è una struttura simile ad un lampadario che pompa acqua marina di Venezia attraverso tubi che connettono il padiglione al mondo fuori dall’esposizione. Altra opera all’interno del padiglione è La Poussière de Soleils, opera che ha l’obiettivo di mostrare colori incredibili (indossando degli appositi occhiali). L’artista ha dovuto inventare un materiale che, a scadenza ritmica, tramite sistemi magnetici, pare goccioli al contrario.

La sua opera è un insieme di arte, filosofia e scienza che vede Gyre come oggetto centrale che permea nella vita, nella natura e nell’universo. Quest’opera vuole rappresentare motivi tipicamente orientali quali: ciclicità e uomo come mezzo fra cielo e terra.

Can’t help myself, Sun Yuan and Peng Yu, Guggenheim Museum

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Can’t help myself, Sun Yuan and Peng Yu, Guggenheim Museum 〰️

https://www.guggenheim.org/artwork/34812

Commissionata nel 2016 dal Guggenheim Museum e presentata nel 2019 alla biennale di Venezia, Can’t help myself è un robot industriale con annessi sistemi di riconoscimento visivo e sistemi software. L’opera consiste nel braccio robotico che cerca di contenere l’espandersi di un liquido viscoso simile al sangue. Gli autori hanno scelto di sottolineare che il contenimento del braccio robotico si colleghi al tema delle frontiere, ma in realtà l’opera ha molteplici chiavi di lettura (sociale, politica, psicologica e artistica), senza però dimenticare il filo conduttore della tecnologia, automazione e intelligenza artificiale.

L’opera svolge un moto perpetuo di raccolta di un liquido idraulico che le permette di sopravvivere, ma che costantemente perde. Più passa il tempo e più si nota che i movimenti sono stanchi e disperati fino al punto in cui la macchina cesserà di funzionare. Un’opera che permette al pubblico di sviluppare un legame empatico con essa, che ci coinvolge a partecipare, anche quando alla macchina rimane poco tempo. Il braccio robotico ha smesso di funzionare nel 2019, dopo aver filtrato l’ultima volta ed essersi lasciata morire.

L’opera vuole essere una critica alla nostra vita incentrata sui soldi, su quanto siamo disposti ad autodistruggerci per raggiungerli, convinti che questo ci permetta di raggiungere un futuro positivo, anche se troppo lontano, sacrificando però i nostri migliori anni.

I robot che fanno arte

Fino ad oggi, all’arte è stato affidato il compito di creare immagini. L’esigenza creativa è legata alla coscienza, quindi non è stato possibile immaginare un’arte slegata da essa. Se oggi ci troviamo nell’epoca della tecnologia, ci troviamo quindi nell’epoca della tecnica, ma ci chiediamo: è possibile considerare la sola tecnica, arte?

Ad oggi, ci è ancora difficile definire artisti dei robot, proprio perché tendiamo a considerarli performer o, piuttosto, opere d’arte. Questi sono “mezzi di possibilità” o strumenti, ma l’opinione comune non riesce a vederli come veri artisti.

I creatori di un robot come Ai-Da, che tratteremo in seguito, propongono una riflessione:

Oggi, un’opinione dominante è che l’arte si creata dall’uomo, per gli altri umani. Non è sempre stato così. Gli antichi greci sentivano che l’arte e la creatività provenivano dagli dei. L’ispirazione era ispirazione divina. Oggi, una mentalità dominante è quella dell’umanesimo, dove l’arte è un affare interamente umano, derivante dall’azione umana. Tuttavia, il pensiero attuale suggerisce che ci stiamo allontanando dall’umanesimo, verso un’epoca in cui macchine e algoritmi influenzano il nostro comportamento al punto in cui la nostra “agenzia” non è solo la nostra. Sta iniziando a essere affidato in outsourcing alle decisioni e ai suggerimenti degli algoritmi e la completa autonomia umana inizia a sembrare meno robusta. Ai-Da crea arte, perché l’arte non deve più essere trattenuta dall’esigenza della sola azione umana.

Luciano Floridi nel suo libro la quarta rivoluzione, afferma la difficile convivenza fra mondo reale e macchina, vedendo una soluzione nella presa di coscienza di cosa sia la prima e cosa sia la seconda. Al giorno d’oggi, viviamo un momento di transizione, in cui la visione umanistica inizia ad essere superata per raggiungere una nuova armonia costituita dalla coesistenza fra arte robotica e arte classica.

AI-DA: l’artista umanoide

Alla biennale di Venezia 2022 è stata presentata la mostra intitolata Leaping into the metaverse, una mostra dell’artista Ai-Da Robot, definita dai suoi creatori “l’artista robot ultrarealista più famosa dell’artworld”. Il suo creatore, gallerista Aidan Meller, la considera sia un’artista a sé stante sia un’opera d’arte concettale.

Ai-Da è una disegnatrice, una scultrice, ma anche un’artista performativa che interagisce con i suoi spettatori. L’artista ha tenuto la sua prima mostra nel 2019 ad Oxford dal titolo UnsecuredFutures, mostra che incoraggiava i suoi spettatori a percepire il nostro mondo come in rapida evoluzione. I suoi lavori sono stati esposti in vari musei e addirittura, nel 2021, ha preso parte alla mostra Forever is Now, prima mostra contemporanea allestita alla piramide di Giza.

Una curiosità su questa mostra è che l’umanoide venne accusata di spionaggio e di conseguenza venne bloccata al confine. La mostra di Ai-Da è la rappresentazione dell’interazione fra umanità e intelligenza artificiale e, in particolare, l’ascesa del Metaverso.

A. Meller vede Ai-Da come l’artista perfetta per dibattere sull’ossessione della tecnologia del nostro tempo e sull’eredità che svilupperà chiedendosi: “Il cosiddetto ‘progresso’ nella tecnologia è qualcosa che vogliamo davvero e, in tal caso, come dovrebbe manifestarsi?”

L’umanoide disegna tramite il suo braccio robotico in base a ciò che vede con le fotocamere posizionate negli occhi, a seguito di input di algoritmi di intelligenza artificiale. Nel 2021 dipinge il suo autoritratto utilizzando una tavolozza da vera artista.

L’abbiamo definita anche “artista performativa” in quanto, nella mostra, Ai-Da ha dipinto dal vivo quattro ritratti.

Successivamente, ha dipinto una nuova serie di autoritratti in cui si rappresenterà ad occhi chiusi, per ricordare al pubblico che la tecnologia è cieca e può essere pericolosa se non utilizzata con riguardo.

Un ulteriore lavoro si intitola Flowers on the Bank of the Lethe, che trasforma gli schizzi di fiori dell’artista in fiori stampati in 3D.

Ehi, ci ho fatto anche un video

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FRIDA: robot che crea insieme agli umani

Frida (Framework and Robotics Initiative for Developing Arts) è il braccio robotico che collabora gli umani per creare opere d’arte grazie ad un sistema di intelligenza artificiale, analogo a ChatGPT, che è in grado di tradurre il testo, una canzone, una fotografia o un dipinto seguendo le indicazioni dell’utente.

È praticamente un sistema di verniciatura robotica, non può essere considerato un’artista, ma un sistema con cui l’artista può collaborare. Il braccio robotico, per ora, non è in grado di mescolare i colori. In futuro i ricercatori vorrebbero estendere le sue capacità con la scultura.

https://www.ansa.it/canale_scienza/notizie/scienza_arte/2023/02/07/ecco-frida-il-robot-che-collabora-con-gli-umani-per-creare_a2b9ad80-b3c8-4ead-ac9c-54fb30a19945.html

Artistes & Robots, mostra Parigi 2018

Nel 2018, al Grand Palais di Parigi, vengono esposte circa 30 opere con l’obiettivo di raccontare il rapporto fra uomo e macchine, saranno presenti robot che disegnano e scolpiscono, ma anche software generativi e intelligenze artificiali. Mostra curata dallo storico dell’arte Laurence Bertrand Dorléac insieme a Jérôme Neutres e con la consulenza dell’artista Miguel Chevalier.

Le prime opere che coinvolgono dei macchinari risalgono agli anni ’50-’60, con la ricerca di artisti quali Nicolas Schöffer e Jean Tinguely, autori dei primi esemplari di “macchine per creare arte”. I macchinari erano praticamente analogici, bisognerà infatti aspettare fino agli ’80-’90 per sistemi robotici legati a software con la prima generazione di Computer Artist, e fino all’epoca contemporanea per sistemi guidati dall’intelligenza artificiale.

Il tema della mostra è quello dell’immaginazione artificiale, termine che racchiude l’arte robotica, l’arte algoritmica e l’arte generativa. La prima sezione ha il titolo macchine per creare, vede protagonisti dei robot che dipingono e disegnano.

La seconda sezione ha il titolo l’opera programmata, in cui non è esplicita l’azione della macchina, benchè centrale, ma è fondamentale la qualità generativa dei software e la capacità di relazione e reazione allo spettatore.

La terza sezione ha come tema principale l’intelligenza artificiale, sono presenti opere che si interrogano sulla possibilità di creare delle macchine che eseguano le istruzioni, ma anche e soprattutto, che siano in grado di immaginare e prendere delle decisioni.

Gli artisti presenti in questa mostra sono ad esempio: Vera Molnar e Manfred Mohr (artisti algoritmici) e Nam June Paik, Sterlarc e Arcangelo Sassolino (artisti sperimentatori del mezzo tecnologico).

L’intelligenza artificiale entra nell’arte

Per quanto, nell’immaginario comune, l’intelligenza artificiale entri a contatto e in collaborazione con l’arte solo da pochi anni, in realtà il computer inizia a venir pensato come un parner creativo a partire dagli anni ’50 del XX secolo. Harold Cohen è considerato il pioniere dell’utilizzo dell’intelligenza artificiale in ambito artistico, ha costruito il suo alter-ego digitale, Aaron affermando: <<La creatività non risiede né nel programma né nel programmatore, ma nel dialogo fra programma e programmatore>>. L’idea positiva di Cohen verrà presto soppiantata dalla paura della sostituzione e della visione delle macchine e dei computer come nostri rivali.

Al sistema dei creativi, l’intelligenza artificiale fa paura, hanno paura dei nuovi sistemi di scrittura, come ChatGPT, o dei sistemi di trasformazione di un testo in immagine. Bisogna ricordarsi però che l’arte nel corso degli anni si è evoluta, ha abbandonato sistemi tradizionali, è stata rivoluzionaria. L’arte di oggi non è più il semplice dipinto o la scultura, è un sistema sempre più aperto a nuovi mezzi, ecco perché l’artista non deve temere l’artificiale: perché l’intelligenza artificiale non potrà mai, assumere il carattere rivoluzionario che l’uomo da all’arte.

Inevitabilmente l’avvento della tecnologia ha influenzato in qualche modo l’arte, “la sola esistenza di determinati strumenti cambia la percezione del mondo, estende il senso della possibilità, influisce sulle strutture sociali ed economiche, modifica il senso estetico e il senso comune.”

Il periodo compreso fra il 2017 e il 2020 è stato caratterizzato dall’utilizzo delle reti GAN (Generative Adversarial Networks) e incentrato sull’estetica analoga a quella surrealista. Nelle arti visive alcuni artisti si occupano di cercare dietro le quinte della tecnologia, proponendo i meccanismi nascosti e le conseguenti implicazioni. Trevor Paglen, che evidenzia i bias nei dataset per addestrare le reti neurali o Hito Steyerl, che pone in discussione l’intelligenza di questi sistemi.

Altri artisti si concentrano su come l’uomo sta accogliendo questi strumenti nella vita quotidiana e come ci cambiano. Ad esempio, Lauren Lee McCarthy che si sostituisce allo smart speaker fingendo di essere un’intelligenza artificiale; oppure Kyle McDonald che nella sua opera Unlearning Language che sfrutta un sistema di intelligenza artificiale per spingere i partecipanti a nascondersi dalle macchine cercando di trovare delle modalità di comunicazione non riconoscibili dalla sorveglianza digitale.

I Software (Midjourney, Dall-E, Stable Diffusion, Stability AI, ecc. ecc.), generatori di immagini tramite intelligenza artificiale, ricombinano immagini per generarne di nuove, non sono altro che modelli algoritmici che funzionano tramite un grande numero di dati umani. In base al programma su cui si basano, avremmo immagini più fantasiose o più realistiche.

Le immagini di archivio invece sono quelle che permettono la determinazione e la costruzione dell’opera visiva. Vanni Santoni si concentra sulla facilità e la velocità di generazione di queste opere, tanto da definirla turboarte. La problematica sta principalmente nel fatto che non ci sia una vera e propria definizione di arte che ci consente di “eliminare” l’intelligenza artificiale dagli strumenti artistici, ma al contempo dal fatto che con l’intelligenza artificiale è addirittura più veloce di fare una fotografia.

Roberto Fassone e l’intelligenza artificiale

And We Thought III mostra di Ai Lai, Roberto Fassone, LZ a Bologna vuole discutere sul concetto di autorialità nell’epoca dell’intelligenza artificiale. Ai Lai è un’intelligenza artificiale ideata da Roberto Fassone e sviluppata da Sineglossa che riesce a pensare e trascrivere resoconti di esperienze psichedeliche: ha eseguito brevi report di visioni allucinogene a seguito dell’assunzione di funghetti e li ha trasformati in immagini. Nell’estate del 2022, Ai Lai racconta per la prima volta dell’esistenza di tre film psichedelici dei Led Zeppelin intesi come una loro realtà parallela in cui Ai Lai è immersa. Fassone decide di realizzare un’estetica artificiale e psichedelica grazie al quale sono stati realizzati i 3 film presenti in mostra: The Doors, The Road e Love Is Magic.

L’intelligenza artificiale che fa l’arte: la fotografia

La fotocamera anti-AI

Leica, brand tedesco di macchine fotografiche, ha sviluppato una macchina fotografica anti-AI. Si tratta di una normale macchina fotografica del marchio che, in aggiunta, è in grado di allegare le content credentials, ossia dei dati relativi ai contenuti dell’immagine al momento dell’acquisizione. La fotocamera genera un’etichetta digitale contenente nome dell’autore, data di scatto e qualsiasi modifica apportata ai dati dell’immagine. Quest’idea nasce al fine di risultare trasparenti riguardo all’origine del file, in epoca in cui è sempre più difficile distinguere le immagini reali.

Questa tipologia di controllo esiste anche nel sistema Adobe, ma agisce sulle immagini solo dopo che sono state importate al programma di editing, senza avere l’accesso ai dati precedenti dell’importazione, al contrario Leica, con la M11-P crea una firma digitale al momento dell’acquisizione che può essere controllato tramite uno strumento apposito, CAI open-source, che è liberamente disponibile.

Photoshop aggiunge l’AI

Il gruppo Adobe ha integrato uno strumento di intelligenza artificiale a Photoshop che permetterà alle persone di creare delle immagini partendo da delle istruzioni di testo del tipo: aggiungere, estendere o rimuovere contenuto, sfruttando il sistema Firefly. Importante como photoshop abbia deciso di inserire una specie di “etichetta” qualora le immagini venissero alterate con l’AI, inoltre stanno anche addestrando il programma a creare solo contenuti che non violino la proprietà intellettuale di altri. Photoshop non è sicuramente stato la prima azienda tecnologica ad aggiungere strumenti che integrino l’intelligenza artificiale; infatti, ha seguito le orme di Google e Microsoft.

La preoccupazione più diffusa è quella per la sostituzione di lavoratori umani, prevedendo una sostituzione di circa l’80% della forza lavoro statunitense, IBM, azienda tecnologica, ha affermato che non assumerà più per quei ruoli, il quale lavoro può essere sostituito dall’intelligenza artificiale. Un ulteriore problema rilevato è quello per cui l’alterazione delle immagini tramite l’intelligenza artificiale sta avanzando ben oltre la capacità umana di rilevarle. Ma la verità è che quest’alterazione delle immagini è già in circolazione da parecchio tempo e che chi lo fa, ha già le conoscenze necessarie, senza aver bisogno di un ulteriore strumento.

la fotografia AI vince

Ad aprile 2023 si sono tenuti i Sony World Photography Awards, uno fra i più importanti concorsi annuali di fotografia. Al concorso partecipa la foto di Boris Eldagsen, una fotografia in bianco e nero che sembra scattata negli anni Quaranta, ritrae due donne e si intitola "Pseudomnesia - The Electrician". La suddetta fotografia vince il premio “creatività” della sezione Open.

https://it.wikipedia.org/wiki/File:EldagsenElectrician.jpg

L’immagine però, non è stata scattata, bensì generata da Stable Diffusion, una tecnologia basata sull’intelligenza artificiale che crea immagini a partire da comandi scritti da uomini. Il fotografo afferna di aver partecipato al concorso solo per aprire un dibattito se i grandi premi di fotografia fossero pronti per questa tipologia di immagini, ma la sua risposta è stata negativa.

Realtà virtuale

“Simulazione all'elaboratore di una situazione reale con la quale il soggetto umano può interagire, a volte per mezzo di interfacce non convenzionali, estremamente sofisticate, quali occhiali e caschi su cui viene rappresentata la scena e vengono riprodotti i suoni, e guanti (dataglove) dotati di sensori per simulare stimoli tattili e per tradurre i movimenti in istruzioni per il software.

“Simili tecniche sono usate, tra l'altro, nei videogiochi, nell'addestramento militare dei piloti e nella modellistica di sistemi microscopici, per es. nello studio delle proprietà delle biomolecole.”

Definizione realtà virtuale, Treccani

Vediamo come la definizione non includa utilizzi artistici, ma solo scientifici. L’obiettivo di questo paragrafo sarà analizzare gli utilizzi della realtà virtuale, ad oggi, nell’arte.

Possiamo dire che nel mondo dell’arte sia in atto una vera e propria rivoluzione, tanto che il ruolo del collezionismo e della fruizione delle opere sta cambiando, grazie all’intromissione delle nuove tecnologie.

Il futuro dell’arte: fra realtà virtuale e NFT

Nel mondo del collezionismo artistico, tramite la tecnologia blockchain, nascono gli NFT (token non fungibili) delle opere d’arte digitali. La tecnologia blockchain non è altro che un registro digitale che può essere aggiornato solo a seguito di un consenso dei partecipanti al sistema, i dati sono verificabili da chiunque, ma non c’è modo in cui vengano manipolati, ogni operazione viene registrata al suo interno e tutto ciò senza l’ausilio di intermediari. Un esempio di tecnologia blockchain sono le criptovalute.

Con le blockchain nascono anche gli smart contracts, delle clausole contrattuali applicate automaticamente sulla base di condizioni predeterminate. Per definire gli NFT, partiamo dal capire che un’opera d’arte è un bene NON fungibile, questo perché possiede caratteristiche uniche e quindi non è intercambiabile. Con la nascita della cryptoarte, è stato necessario creare il bene digitale che garantisca al suo acquisto unicità e rarità, a causa della facilità con cui è possibile copiare e replicare tale bene. Nascono quindi gli NFT, certificati di autenticità che garantiscono tali caratteristiche, opere d’arti digitali che vengono commercializzati tramite blockchain.

https://onlineonly.christies.com/s/beeple-first-5000-days/beeple-b-1981-1/112924

La cryptoarte nasce a New York nel 2017, ma è nel marzo 2021 che tramite la casa d’asta Christie’s viene venduto un NFT di Beeple “everydays: the first 5000 days”, rendendo questa nuova forma d’arte mainstream. Gli NFT e i Blockchain hanno aiutato le industrie creative e culturali a digitalizzarsi, favorendo un diretto contatto con il pubblico e una democratizzazione del mercato. Questa tecnologia permette di risolvere alcuni fra i maggiori problemi del mercato dell’arte:

autenticazione dell’opera,
la tracciabilità e la trasparenza delle transazioni,
lo storico, la provenance e il pricing di un’opera,
il diritto di seguito per gli artisti nel mercato secondario.

La cryptoarte potrebbe mettere le basi per un nuovo ecosistema dell’arte che sfrutta le nuove tecnologie, cercando, come fine ultimo, un nuovo equilibrio fra online e offline.

https://www.meetcenter.it/it/programma-luglio-agosto-2022/

Nel 2016 a Palazzo Reale, Milano, viene presentata l’opera “Hyperplanes of Simultaneity”, un’unione fra tradizione e innovazione, fra realtà virtuale e pittura. Fabio Giampietro è uno dei Cryptoartisti italiani più importanti. L’opera rappresenta delle città ideali su una tela di 10 metri. L’artista si concentra sulle dimensioni prospettiche disegnando un cono ottico, visualizzato tramite un visore VR, Oculus Rift, che trasporta lo spettatore all’interno di una realtà virtuale che espande l’opera in tre dimensioni. Lo spettatore parte così da un elemento tangibile fino ad esser trasportato in una realtà virtuale. L’opera è stata suddivisa in tre edizioni, quindi sono stati generati 3 NFT che sono stati venduti tramite la piattaforma Super Rare, una delle più famose piattaforme di cryptoarte. Il collezionista riceve: l’opera d’arte digitale statica, l’Oculus per poter vivere l’esperienza in VR e la tela fisica.

Mentre i musei stanno fermi

Il concetto di metaverso nasce tramite il romanzo distopico di Stephenson, snow Crash, nel 1992. Il metaverso ha l’obiettivo di dare una tridimensionalità alle nostre esperienze virtuali tanto da renderle immersive. All’interno del metaverso puoi attraversare spazi, incontrari conoscenti e sconosciuti, ma anche visitare una mostra o un’opera d’arte. Fra i metaversi più diffusi troviamo quelli dei videogiochi, grazie alla versione multiplayer online. Nell’aprile 2020, durante il Covid, all’interno di Fortnite si è svolto il concerto del rapper Travis Scott, gli utenti hanno quindi potuto fruirne all’interno di un metaverso.

Ad oggi, esistono dei metaversi, come Decentraland, Somnium Space, Sandbox, nei quali gli utenti possono acquistare uno spazio, per costruire una casa, all’interno del quale esporre le loro opere d’arte tramite NFT. Zuckerberg sta pensando di implementare un metaverso all’interno dei suoi social network, il quale diventerà un nuovo modo per creare delle nuove relazioni sociali.

Entrando nell’arte: il metaverso

L’arte ha dovuto avvicinarsi al metaverso per una questione di necessità dettata dalla pandemia che ha colpito il mondo nel 2020. Booming, fiera d’arte contemporanea, ad esempio, nel 2022 ha deciso di inaugurare una sezione della mostra in uno spazio virtuale simile a quello in cui avrebbe dovuto essere esposto. Il tutto era fruibile o tramite un visore VR o tramite il collegamento ad un sito che permetteva di navigare negli spazi esposti. La fiera virtuale, benché sia nato per salvare il salvabile in un momento di crisi, ad oggi diventerà una nuova possibilità espositiva. L’esperienza virtuale permetteva al fruitore di muoversi fra gli stand, ingrandire l’opera, chattare con galleristi e curatori. Non è difficile immaginare in futuro in cui l’analogico e il digitale convivono e collaborano. Oltre a festival adattati al metaverso, nel 2021 nasce la prima fiera nativa digitale: il trento art festival, fruibile tramite Kunstramatrix, un’altra piattaforma. Un altro esempio è quello di “Erotika: Visions Outside the Mainstream” organizzata dal collettivo NFT femminista, esposta tramite Aerium, le opere esposte sono tutte NFT, ed è fruibile tramite visori o schermi. Fra i vantaggi del metaverso troviamo la sostenibilità ecologica e la possibilità di mantenere la mostra per un tempo infinito.

Mostre che sfruttano la realtà virtuale

CARNE Y ARENA

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Alejandro González Iñárritu

CARNE Y ARENA 〰️ Alejandro González Iñárritu

https://www.fondazioneprada.org/project/carne-y-arena/

Carne y Arena è un’installazione VR di Iñárritu, regista di Revenant, che nel 2017 è stata ospitata alla fondazione Prada di Milano. L’opera consiste in un’esperienza immersiva in cui si assiste ad un’avventura di un gruppo di migranti che cerca di attraversare il confine fra Messico e USA, quando viene intercettato da una Jeep Statunitense. Il fruitore fa parte di questo gruppo, ad un certo punto viene anche minacciato da un poliziotto. Si tratta di Arte Politica, ha l’obiettivo di presentare al mondo il malessere di questo viaggio, ci fa sentire vicino a queste persone fisicamente ed emozionalmente. La realtà virtuale, per un’installazione del genere, è fondamentale proprio perchè ci fa sentire come loro e con loro, sotto vari punti di vista.

Dreams of Dalì

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Dreams of Dalì 〰️

Agli inizi della sua carriera, Dalì, fece il dipinto intitolato Reminiscenza archeologico dell’angelus di Millet, ispirato all’angelus di Millet. Il dipinto è una sua personale interpretazione che ne ha stravolto i contenuti: i due contadini diventano due sculture in rovina e il paesaggio è illuminato dalla luna. Grazie a Dreams of Dalì, al Dalì museum in Florida, ci si può immergere in una riproduzione virtuale del dipinto, in cui i fruitori compiono un viaggio all’interno dell’opera ascoltando le parole dell’artista. Oltre che essere fruibile al museo è fruibile anche tramite youtube.

video su Youtube

Sondaggio

I sondaggi sono stati svolti su un campione di 120 persone suddivise per range di età. Dai dati è possibile osservare che la generazione fra i 18-30 abbraccia maggiormente le nuove tecnologie, ma benché siano di più non è mai la totalità, anzi si sta ben sotto alla metà.Quando si parla di considerare arte qualcosa di atipico, quindi che eluda dalle tecniche classe, la generazione oltre i 50 anni è molto più scettica, sotto il 15% di risposte positive. Una risposta molto positiva è sta quella in merito alla terza domanda, quella sulla realtà virtuale, che chiede se l’esperienza VR sia un valore aggiunto; anche la generazione più anziana ha avuto una percentuale di maggioranza, benché più bassa dalle altre generazioni, sulla risposta positiva.

Altrettanto positiva è stata la risposta alla domanda se si visiterebbe un museo tramite realtà virtuale, nel quale le risposte positive erano nettamente maggiori, anche se la maggior parte di esse affermava che l’esperienza VR non avrebbe potuto sostituire quella reale.

Una risposta però risulta un po’incoerente con quelle precedenti: oltre l’80% dei candidati crede che sia un bene che la tecnologia collabori con la tecnologia, ma dal sondaggio risulta come se non fossero ancora pronti ad accoglierla.

Oltre a opinioni personali ho voluto inserire nel sondaggio delle domande per scoprire il grado di consapevolezza delle proprie capacità, chiedendo ai partecipanti se fossero in grado di distinguere l’arte “digitale” da quella “analogica”. La maggior parte delle persone crede che non distinguerebbe un’opera generata dall’intelligenza artificiale, soprattutto la generazione oltre i 50 anni, motivo per il quale, forse, ne sono così spaventati.

Test sulla capacità riconoscitiva

Oltre alle domande precedenti mi sono divertita a fare un piccolo gioco, tramite il quale i partecipanti si potevano misurarsi con la loro capacità riconoscitiva, soprattutto a seguito delle risposte sulla consapevolezza.

Dai risultati è possibile osservare quanto la generazione più giovane sia in grado di identificare l’arte digitale, ma che faccia quasi fatica a distinguere quella reale. La generazione oltre i 50 anni invece, contro le loro aspettative è ben in grado di distinguere l’arte digitale e quella reale.

Conclusioni

In conclusione, questo test mi ha permesso di capire quanta consapevolezza ci sia in merito a questi argomenti, ma al contempo mi ha fatto capire che forse la gente “comune” non è ancora pronta ad accettarlo. Mi rendo conto di quanto l’intelligenza artificiale e i robot possano far paura, d’altronde siamo stati bombardati con un’idea distopica di questi strumenti, si ha paura della loro ribellione, dell’eliminazione di posti di lavoro, di un effetto simil-Hikikomori… ma per una società come la nostra, molto antropocentrica, una grande paura è quella della sostituzione. In questo percorso che è stata la stesura dell’articolo ho scoperto realtà che, per quanto inquietanti, trovo abbiano un grande potenziale e siano affascinanti. Pensare al metaverso come una realtà in cui le mostre non finiscono mai, che io abitando in un luogo possa visitarle rimanendo a casa mia, lo trovo eccezionale. Pensare ad un’artista umanoide, ad un robot come opera d’arte, ad una fotografia generata dall’intelligenza artificiale; non mi è più così difficile. Una questione, secondo me, è fondamentale: niente di tutto ciò è, e deve essere una sostituzione: non riesco ad immaginarmi un mondo in cui io non possa più vedere realmente un quadro o entrare in un vero museo, e non voglio neanche immaginarmi un mondo in cui tutte le sculture siano dei robot. Mi piace pensare a questo nuovo sistema dell’ arte come se fosse una nuova corrente artistica: all’inizio non convince mai, molte persone sono scettiche e la ripudiano, fino al momento in cui si accetta, si studia e si accoglie, ma senza mai dimenticare tutto quello che è stato.